TEATRO FÍSICO

PRESENTACIÓN
Son muy variadas las definiciones que se puedan atribuir al concepto de “Teatro
Físico”. Y en este caso la propuesta que hago para este curso se acerca bastante a la
metodología pedagógica de Jacques Lecoq ya que mi formación en su gran mayoría
pertenece a esta escuela.
Mi forma de “enseñar”, que llevo realizando por más de veinticinco años, está dirigida
al desarrollo de las capacidades innatas de los participantes desde una perspectiva
lúdica y colectiva.
Esta forma de enseñar me ha permitido además poder dirigir espectáculos de
compañías como Atempo Circ, La Finestra Nou Circ, Circo Pitanga, donde (en otro
nivel por supuesto) he aplicado varios contenidos que se encuentran en esta
propuesta como la construcción física del personaje, estados del personaje, presencia
energía y direcciones en el espacio, etc.
La propuesta de este curso de Teatro Físico lleva implícita la idea de poder interactuar
con las otras disciplinas y curso que se realicen ya que concibo la formación como un
ejercicio donde se deben complementar y relacionar todas las disciplinas artísticas.

DESCRIPCIÓN DEL CURSO
Este curso está diseñado para participantes a partir de los 18 años (idealmente). Y está
compuesto por tres líneas pedagógicas de trabajo. Estas se desarrollan en paralelo y
cumplen el objetivo de complementarse en los ejercicios de creación.
Una de ella es el trabajo individual de improvisación que consiste en que cada uno de
los participantes “entra” a la pista o escenario a desarrollar una situación y/o acción
previamente determinada. A medida que el participante va jugando se le van dando
indicaciones para que lo que quiere contar sea más claro y preciso.
Entre otras cosas a partir de esto, trabajamos la presencia y la energía escénica
poniendo énfasis en la idea de buscar la concreción de lo que se quiere expresar.
Otra línea por desarrollar en el curso es el trabajo de movimiento.
En este tramo se aprende y se desarrollan varios ejercicios que pertenecen a la
metodología de Jacques Lecoq y que en esa formación pedagógica pertenecen al
“Análisis del Movimiento” del cuerpo humano.
Es así como trabajamos con las nueve actitudes, el muro, el barquero, etc.,
secuencias de movimientos que buscan esencialmente entender las direcciones en
que se mueve el cuerpo y la síntesis que pueda existir en ello, a esto también se le
llama “economía de movimiento”.
A este tramo también se le suma algunos conceptos y ejercicios de pantomima y mimo
clásico.

Finalmente hay una tercera parte de la formación que tiene que ver con la puesta en
escena de ejercicios; donde los estudiantes divididos en grupos deben aplicar todo lo
que se ha aprendido e investigado.
Estas tres líneas de trabajo se desarrollan de forma integrada siendo fundamental la
compresión del proceso desde lo físico más que desde la teorización del proceso.

OBJETIVOS
Objetivo general
Descubrir y desarrollar la versatilidad corporal utilizando el movimiento y los gestos del
cuerpo como instrumento de comunicación.
Objetivos específicos
Descubrir el potencial creativo de cada interprete a partir de la improvisación y las
acciones físicas.
Encontrar herramientas que permitan transmitir emisiones y/o estados en la escena.
Profundizar en el concepto de “economía de movimiento en el espacio escénico” y
utilizarlo como herramienta de síntesis y claridad al desplazarse y actuar.
Interpretar desde el personaje.

METODOLOGÍA
La forma de trabajar para potenciar el aprendizaje está fundamentalmente basada en
la idea de jugar y descubrir a través de la improvisación y el movimiento en el espacio
vacío. Descubrir las claves para construir en la escena los objetivos planteados.
Este método está sustentado en dos conceptos bastante claros.
1.-Práctica-teoría-práctica.
Esto significa que en el inicio buscamos caminos para llegar a objetivos a través de la
improvisación. Se prueban posibles ideas, conceptos y/o propuestas. Luego, después
de jugar y descubrir herramientas que nos ayudan a “contar” con el cuerpo lo que
quiero expresar; se analiza y ordena el ejercicio. Finalmente, los participantes vuelven
a improvisar utilizando estas herramientas, pero de una forma más precisa.

2.-El error es una fuerza motriz.
Bajo este concepto no existe la equivocación con un valor negativo, sino más bien
existe la positiva idea de jugar sin la necesidad de coartar o censurar posibilidades por
muy “erróneas” que parezcan. En una determinada fase del aprendizaje el error nos
puede iluminar.

Con esta forma de trabajo, se potencia el concepto de que es el cuerpo el que “habla y
cuenta” y que la palabra si es necesaria, nacerá como resultado de las acciones.

ACTIVIDADES
Evidentemente las clases son practicas y dependiendo del desarrollo del proceso se
pueden realizar pequeñas muestras abiertas a otros alumnos. De esta forma se
pueden compartir de forma pública los contenidos que se han ido trabajando en cada
ciclo.

CONTENIDOS
-El cuerpo como un instrumento en el espacio vacío.
-Presencia y energía física en escena.
-Direcciones en el espacio.
-Ritmo escénico.
-Introducción a la creación física de un personaje.
-Emociones/estados del personaje.
-Introducción a lucha escénica.

ESTRUCTURA/TEMPORIZACIÓN
Dependiendo de la cantidad de gente y el espacio disponible, las clases deberían ser
de dos a dos horas y media tres veces por semana, pero esto se puede adaptar a
otras necesidades.

NECESIDADES

-Espacio amplio que pueda albergar cómodamente a los participantes.
-Altavoz al que se le pueda conectar un teléfono o un ordenador para la música.
-Los participantes deberán tener ropa cómoda que les permita correr, hacer ejercicios
etc.,